Happy Birthday Mr. Bitch

Hoje é meu aniversário!
Apesar de filmes, no blogging - quero mais é ficar bebão e cair rs.
Além de mim, esses dois fazem aniversário hoje:

De repente, um ménage à trois soa como um ótemo presente de aniversário!

All Right, Mr. Tarantino, I'm Ready For My Close-Up

Duas das minhas personalidades favoritas do Cinema fazem aniversário hoje. Gloria Swanson teria hoje 111 anos, enquanto um dos meus deuses, Quentin Tarantino, faz 45 anos. Ambos representam muito bem duas instâncias da minha personalidade: gay e nerd. Agora, qual dos dois é cada um eu não digo... hohoho.

Na Real

Na Real [ou Saindo do Armário] [**]

Direção: Simon Shore

Com: Ben Silverstone, Brad Gorton, Charlotte Brittain

Favor ler isso antes.

Na Real [Get Real, Inglaterra, 1998] tem uma premissa parecida com a de Delicada Atração: o protagonista gay [aqui Steven, interpretado docemente por Ben Silverstone], bolinado pelos colegas brutamontes, se apaixona pelo jogador de futebol popular [John Dixon, o tremendamente sexy Brad Gorton], que acaba correspondendo. O que diferencia os dois é o fato de Na Real ter um suposto tom mais sério, por ser um drama com pitadas de comédia [providas por Linda (Charlotte Brittain) a amiga gordinha de Steven]. Ou seja, a fórmula se faz presente.
Ciente de sua sexualidade desde os onze anos, Steven recorre ao banheiros públicos de sua pequena cidade, na esperança de conhecer o amor de sua vida. É irônico que ele recorra a tais lugares para tal objetivo, mas também o filme torna compreensível: Steven é um adolescente e junto com os hormônios há a vontade de experienciar o amor. É num desses banheiros que ele e John Dixon se esbarram, tornando-se confidentes de seus conflitos e, posteriormente, namorados.
Todo o filme a partir daí é completamente previsível, cheio de clichês do gênero, como as escapadas, o momento de paraíso e paz do casal, os pais desconfiados. Desta forma, Na Real torna-se um filme assistível apenas por sua temática causar curiosidade, não por ela acrescentar algo na discussão do tema, ou na vida de quem assiste.
O desapontante é que o roteiro de Patrick Wilde é baseado em sua peça "What's Wrong With Angry?", de 1992. A peça foi escrita em referência à lei da Idade de Consentimento - simplificando: a idade em que uma pessoa é legalmente permitida a fazer sexo; a idade mínima para homossexuais era cinco anos menor que a para heterossexuais e, na peça de Wilde, era importante que Steven, por ter 16 anos, estivesse desobedecendo à lei, enquanto os colegas que o perturbavam não. Tais teores políticos se perderam no filme, o que, no fim das contas, virou apenas o drama-romântico que é.
[Soundtrack: Fall to Pieces - Avril Lavigne]

O Turbilhão do Espírito Livre

Jules e Jim, Uma Mulher Para Dois [**** - um milhão, se houvesse tal classificação]
Direção: François Truffaut
Com: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre

É quase um trabalho árduo escrever sobre Jules e Jim [Jules et Jim, França, 1962]. É um filme tão vivo, que suas várias nuances dificultam cruelmente os esforços daquele que tentar resumi-los em comentários de resenha; tanto que o filme é considerado uma obra-prima, não só da filmografia de Truffaut, como da história do Cinema. Portanto, não tentarei fazer crítica de um filme tão profundo como este: vou simplesmente comentar o que passa por minha mente agora.
A história dos amigos Jules e Jim [Werner e Serre, respectivamente] com a impulsiva Catherine [Moreau] é, como o próprio filme diz num certo momento: a [re]invenção do amor. Catherine é maior que a vida! Talvez uma das maiores personagens femininas do Cinema [eu diria até da ficção], ela possui uma energia tão vibrante que repele e atrai qualquer pessoa, especialmente os homens. Jules e Jim eram dois boêmios como todos os outros de Paris, até a conhecerem e se envolverem em sua maravilhosa teia.
A quintessência do chamado Espírito Live, ela tem plena noção das várias camadas do amor, e seu desejo maior é conhecê-las, mesmo que isso implique deixar para trás o agora e correr de braços abertos para o minuto seguinte. Contudo, isso nunca é mostrado como um sinal de inconstância ou imaturidade dela. A alma dela é dessa forma, ela é a mudança, a experimentação - a liberdade. Nunca se pode jugá-la por seu passado e, assim sendo, ela também é envolta em mistério, sendo isso, talvez, o motivo da atração que ela impele às pessoas: a liberdade, por ser desejada e buscada por todos, é repleta de mistério. Catherine era assim, perdão pelo clichê, irresistível.
Na cena em que Catherine canta o tema do filme, Le Tourbillon, que indiretamente descreve sua personalidade, Jeanne Moreau é repleta por uma simplicidade que, no fim das contas, remete a como na vida, e principalmente no amor, nossa vontade inquietante de adaptarmos tudo aos nossos padrões, nos atrapalha em ver como as coisas estão bem ali à nossa frente, esperando que nos entreguemos e as aceitemos como são. Independentes e livres.
[Soundtrack: Le Tourbillon - Jeanne Moreau]

Fórmula Gay Teen

Se você já viu uma comédia romântica é capaz de já ter visto quase todas. Mas se você já viu uma comédia romântica gay, você certamente já viu todas.

Quando iniciei o gay fest, eu meio que já sabia que chegaria a essa conclusão; ainda assim, devo admitir que ela é um tanto precipitada, afinal, dos filmes listados vi apenas três. Contudo, os três são muito parecidos em essência. A fórmula é simples:

"Garoto Gay em conflito [geralmente pela descoberta] +

Garoto [aparentemente] Hétero +

Coadjuvantes Engraçados e Carismáticos =

Comédia Romântica Teen e Gay"

Às vezes dessa formula sai uma dramédia, [muitas vezes] prepotente, mas basicamente todos terminam como são. Os próximos dois filmes do Gay Fest a serem comentados são bons exemplos dessa fórmula, mas não exatamente bons filmes.

[Soundtrack: La Foule - Edith Piaf]

Reflita!

Reflita!: Coisas por quais o noob acá tem babado no mundo do cinema, ultimamente.

- Meryl Streep é a camaleoa-mor do Cinema, não há nada nem ninguém que ela queira ser e não possa. Como diria Nora Ephron, se você convidar Meryl Streep para ser você por um dia, ninguém notará a diferença e no fim você acabará descobrindo que aquele foi um dos melhores de sua vida. Há novas maravilhosas estrelas que apontam para a mesma direção, mas ainda não chegaram lá, contudo, a única que aparentemente está por se estabilizar como tal é Cate Blanchett. A desgraçada [isto é uma irônia!] já foi Elizabeth I duas vezes, ousou ser Katarine "D-us" Hepburn e ganhou o Oscar por isso, e ano passado, quando ninguém esperava, ela foi lá e deu uma de Bob Dylan. Então, desde que suas imagens no novo Indiana Jones sairam eu não consigo tirar aquela peruca chanel da cabeça - não da minha cabeça... você entendeu.

- Daniel Craig pelado de novo! Rs... okay isso não é motivo nenhum para ficar empolgado, mas é que além de um ator impecável, Mr. Craig é [para mim okay!] um dos homens mais charmosos por aí. A cara dele quasi-blasé de que vai te ignorar, ou socar, me derrete okay, beijos!

Humanidade

Invasores [**]

Direção: Oliver Hirschbiegel

Com: Nicole Kidman, Daniel Craig, Jeremy Northam, Jackson Bond, Jeffrey Wright, Roger Rees

É difícil encontrar hoje em dia, um filme que entretenha e faça pensar. Talvez eu esteja creditando muito ao filme do ano passado, Invasores [The Invasion, EUA, 2007], afinal, se você leu críticas e/ou acompanha o Rotten Tomatoes, o filme foi bem malhado pela crítica geral. E no fundo eles estão certos, "Invasores" é mais uma adaptação de "The Body Snatchers", do novelista americano Jack Finney. Portanto, ela é de fato desnecessária. Contudo, o filme estabelece uma pergunta interessante: e se tivéssemos a oportunidade de cessar as falhas da humanidade?

Quando um ônibus espacial, vindo do espaço, explode e deixa rastros de seus destroços de Washington a Dallas [alguém tem idéia de quanto se constitui essa distância?], o governo pede para que as pessoas não toquem nos destroços, pois sabe-se lá que tipo de porcarias espaciais podem estar incrustadas neles. Mas sabe como é né... diga para uma criança não tocar na panela quente e ela vai lá e queima a mão; diga para um americano não meter o bedelho onde não deve e... uma invasão alienígena torna-se uma epidemia.

Processo: após contaminadas, as emoções das pessoas são drenadas pelo suor do sono REM e elas acordam meio zumbis.

Factum¹ #1: um cara do Centro de Controle e Prevenção de Doenças americano [Northam], logo após visitar um dos destroços e se inteirar do caso, é contaminado por um pedaço de metal mostrado-lhe por uma garotinha que estava próxima ao seu carro.

Okaaaaay, vamos destrinchar a coisa: como que aquela pirralha conseguiu ultrapassar as barreiras e chegar perto de um zé² do governo sem ter 4 zilhões de soldados fazendo montinho nela à lá rugby? E o pior, como o cara do governo, que até pouco dizia ao povão para não tocar nos troços, vai lá, e desatentamente toca no treco que a menina traz?

Factum #2: Os lábios alienígenas de Nicole Kidman é a Dra. Carol Bennell, uma psicanalista de Washington, mãe divorciada de um garoto fofo e cativante por sua infantil esperteza - o que previne Jackson Bond de se tornar Dakota Fanning [protegendo-o de tentativas de murros]. Um dia ela é acordada pelos gritos do menino!! Relaaaaaxa, galere¹, foi só um pesadelo - até parece que vocês não sabiam disso! Horas depois ela recebe uma ligação de seu ex-marido dizendo que quer ver o guri. Pausa para a peripécia[!!!!!]: o ex-marido de Kidman é o zé do governo!!!!!!!!!! Ele agora já está dando entrevistas coletivas sobre uma epidemia de gripe e a necessidade de vacinação. Porém, o interessante é que Bennell conta a uma amiga que o filho voltou a ter pesadelos depois que soube da futura temporada com pai [????????].

Tudo isso lhe é apresentado em mais ou menos dez ou quinze minutos. Não contei, mas, sendo honestíssimo, a impressão que tive depois disso tudo, foi que havia apenas cinco minutos de filme. Ritmo acelerado e ágil é ótimo quando o roteiro é coeso e coerente; mas no caso do de Dave Kajganich, logo se vê que tais cortes bruscos são resultado de edições e re-edições, ou seja, o filme poderia ter sido bem diferente do que foi apresentado - mas como, nunca saberemos, afinal, nossa adorável amiga Warner Bros. deve ter feito o favor de mandar o diretor alemão, Oliver Hirschbiegel, autor do aclamado suspense alemão, A Experiência, e do drama indicado ao Oscar em 2005, A Queda, a fazer seu primeiro filme em inglês, "mais americano".

Na tal cena em que Bennell conversa com a amiga sobre o filho, ela menciona que está tratando o garoto com uma específica droga psicotrópica; posteriormente ela aconselha ao garoto não esquecer de tomar suas pílulas, enquanto com o pai. Num outro momento, ela receita a uma paciente, uma droga [devo frisar que todas as drogas aqui são psicotrópicas] adicional às que ela já usava, após a mulher ter contado sobre o comportamento diferente e estranho do marido: "my husband is not my husband!"

A maneira como a Dra. Bennell trata seu filho e pacientes com capsulasinhas coloridas, que agem no sistema nervoso das pessoas, deixando-as momentaneamente "calmas e felizes", é o ponto interessante [e eu hiperbolaria³ isso] do filme.

Recentemente, chegou ao meu conhecimento o livro Felicidade Artificial - O Lado Negro da Nova Classe Feliz, do anestesista americano, PhD em Filosofia [!!!], Ronald W. Dworkin. O livro fala da descriminada cultura das drogas psicotrópicas na sociedade americana; de como os americanos estão se tornando pessoas robóticas, que parecem felizes porque tomam, todos os dias, pílulas que os deixam felizes - porém, não vão a fundo e combatem a "causa real" da infelicidade.

A Dra. Bennell parece ser dessas psicanalistas que receitam químicos para qualquer coisa: a paciente dela demonstra uma indisposição e medo em relação à mudança de comportamento do marido [que antes a esbofeteava e agora vivia oferecendo coisas para beber], e ela receita outro remédio; o filho começa a ter pesadelos e tome-lhe pílulas. Dessa forma, as pessoas acionam uma válvula no cérebro que bloqueia os pensamentos negativos, mas no fundo não os resolvem. Ou seja, as emoções dão lugar à subserviência à boa relação. Quando um casal briga, é porque há uma quebra na harmonia, que deve ser investigada e, então, resolvida. Mas se toma-se pílulas para qualquer indisposição emocional, bloqueia-se a dita cuja e fica-se "artificialmente" feliz; mas não é essa dualidade comportamental que nos torna humanos?

Num diálogo excitante entre Carol e o embaixador russo Yorish [Rees], este alfineta justamente essa cultura dos psicotrópicos:

Yorish: Digo que a civilização é uma ilusão, um jogo de fingimento. A realidade é o fato de que somos animais, estimulados por instintos primários. Como uma psiquiatra, você deve saber isso como verdade.
Carol: Para ser honesta, embaixador, quando uma pessoa me fala da verdade, o que ouço é que ela me fala mais dela própria, do que do mundo em geral.
[...] Yorish: Talvez isso seja verdade, talvez ser russo neste país seja visto como uma patologia. Então o que você me diz, pode me ajudar? Pode me dar uma pílula, para me fazer ver o mundo como os americanos o vêem? Pode me ajudar a entender Iraque, ou Dafur, ou até New Orleans?[...] Tudo que digo é que nossa civilização desmorona sempre que precisamos dela. Em determinada situação, todos somos capazes dos mais terríveis crimes. Imaginar um mundo em que isso não acontecesse, onde cada crise resultasse em novas atrocidades, onde todos os jornais não estivessem cheios de guerra e violência. Bem, isso é imaginar um mundo onde seres humanos deixassem de ser humanos.

A fala do embaixador pode ser considerada derrotista, e contra isso a astuta Carol Bennell cita grandes filósofos para provar a corrente mudança e melhora. Mas [pausa para a nova e completamente inesperada peripécia!!!]: Bennell tem seus ideais questionados quando seu filho se torna a esperança de cura contra o vírus alienígena.

As repentinas idas e vindas do filme de Hirschbiegel são um irônico exemplo da americanização da visão das pessoas. Um filme que tinha uma inteligente premissa de crítica à massificação desenfreada das drogas psicotrópicas, virou um suspense de tensão clichê [direções às cegas com milhares de zumbis em cima do carro? Ultra novidade!], tudo a favor da bilheteria.

Ainda bem que o tiro saiu pela culatra.

1 - Não é latim, nem erro ortográfico, é tiopês.

2 - Zé = qualquer pessoa.

3 - Exageraria.

Amantes Constantes

Amantes Constantes [**]

Direção: Phillipe Garrel

Com: Louis Garrel, Clotilde Hesme, Julien Lucas, Eric Rulliat, Nicolas Bridet, Mathieu Genet, Raïssa Mariotti, Caroline Deruas-Garrel, Rebecca Convenant, Marie Girardin, Maurice Garrel, Cécile Garcia-Fogel

Há um dilema quanto ao filme Amantes Constantes [Les Amants Réguliers, França, 2005], escrito e dirigido por Phillipe Garrel, que não sei dizer se é interessante ou decepcionante.

Tendo a revolta dos estudantes e sindicatos de1968 como pano de fundo, o filme segue, por um ano, o jovem poeta, de apenas 20 anos, François [Louis Garrel] e seus amigos "revolucionários"; as aspas se fazem presentes porque há um amargor semi-anacrônico no uso da palavra, pois nos é apresentado um grupo de jovens que basicamente discutem a revolução e fumam ópio - na maioria das vezes na ordem inversa. Neste ambiente François conhece Lilie [Hesme] e um romance entre os dois é engatado.

É aí que se instala uma confusão que esmaece todo o potencial que brilha na premissa do filme: esses dois polos do filme nunca parecem se conectar. A primeira hora de filme é constituída pela apresentação e reencenação das revoltas parisienses e por mais que a premiada fotografia de William Lubtchansky remeta a fotos do período, ela se torna irritante quando o seguimento se transforma em algo tão longo e enfadonho que, a única coisa que você consegue pensar [e D-us sabe o quanto eu luto contra tais atitudes] é adiantar o filme.

Resistido o impulso, adiante, quando François e Lilie se conhecem, você simplesmente não pensa mais no romance, nem nos supostos diálogos intelectualizados defumados por ópio, pois a única coisa que vem às sua mente é "qual a finalidade da primeira hora de filme, mesmo?".

Por outro lado, o filme fala de uma juventude que ao mesmo tempo que era engajada nas revoluções mundias que ocorriam na época, ela não tinha muita visão de futuro, além da esperança depositada na liberdade; especialmente a juventude burguesa [que não se assumia como tal], que é retratada no filme. Eram jovens que, hoje, podemos dizer, tinham uma visão romântica do racionalismo, da filosofia e do socialismo, e isso fica bem evidenciado no filme. Ou seja, ao mesmo tempo em que ela gritava em passeatas pela liberdade, ela agia um tanto em contra-mão da realidade. Um aspecto comprovante é o uso constante do ópio por François e seus amigos, afinal como dizia Bezerra da Silva, "pra fazer a cabeça tem hora."

Aí, talvez, resida o interessante do filme. Contudo, isso só será perceptível com deliberações e leituras pós-assistência. A não ser que você seja um bom conhecedor do período, consiga superar o inevitável tédio e pense no mesmo instante todas essas possíveis elucubrações.

QuickFucks: Primeiras Vezes

QuickFucks: [Rapidinhas.] Mini-resenhas procrastinatórias com intenções redentoras ao blogueiro enrolado.


Alien - O 8º Passageiro [Alien, 1979, EUA]
Suspense intrigante, de Ridley Scott, que acabou por se tornar [para mim] um daqueles filmes que deveria-ter-visto-antes. Irônico é que minha vida cinéfila se iniciou bem com as ficções-científicas. Sigourney Weaver é a tenente Ripley, que junto com a tripulação do rebocador espacial Nostromo, tem de enfrentar um etezinho [*cof-cof*] do capeta que inicia uma matança dentro da nave. Weaver dá uma performance divertida, cheia de gritos, trejeitos, olhares e falas que são ótimas para imitação; mas estrela do filme é o diabo do alienígena. Scott dá show de direção construindo um temor que se "manifesta de dentro para fora"; o fato de você raramente ver o monstrengo ajuda bastante, pois, como os tripulantes da Nostromo, você também não sabe do seu inimigo. Por fim, o filme sabiamente não é enorme e monta a base para uma bem sucedida futura trilogia.
Nota: ***

Blowup - Depois Daquele Beijo [Blowup, 1966, Inglaterra/Itália]
Quando contei que vi Blowup pela primeira vez, um amigo disse que "este deveria ser o primeiro [Michelangelo] Antonioni de todo mundo." Apesar de realmente ter sido meu primeiro e, portanto, fico impossibilitado de explicar a fundo a colocação do meu amigo, não é muito difícil entender porquê. Estrelando um tremendamente sexy David Hemmings e a incrível Vanessa Redgrave, Blowup é um filme difícil de generalizar. Com uma trama que parece inspirada em "Janela Indiscreta" de Hitchcock, o filme em si está mais para "A Doce Vida", de Frederico Fellini, devido sua retratação de uma era. Blowup mostra a cultura vibrante e sensual da Londres sessentista, com seus artistas de rua e modelos magérrimas e intoxicadas. O filme foi indicado aos Oscars de direção e roteiro original e possui uma fotografia magnífica.
Este é um filme que requer outras sessões; tanto no meu DVD, como neste blogo.
Nota: ****

Gritos E Sussurros [Viskningar Och Rop, Suécia, 1972]
Escolhi este filme para meu primeiro Ingmar Bergman. Tal escolha provém do fato de ele ter sido imitado, em 1978, por Woody Allen em seu sensacional drama "Interiores". Na Suécia da virada do século [XIX para o XX], uma mulher à beira da morte recebe a visita das duas irmãs e, na casa de suas infâncias, juntas com a empregada de tantos anos, iniciarão uma instigante jornada coletiva interior [se é que isso é possível], na qual segredos e mágoas do passados virão à tona impiedosamente.
É um filme denso, que apesar do tom silencioso e quase lento, não te deixa desviar a atenção; obviamente se você é interessado em dramas psicológicos. A produção de arte é impecável, tendo o vermelho como cor-chave, o que é interessante, pois desperta no espectador a mesma paixão que passa pelas personagens. Com um elenco impecável [Ingrid Thulin e Liv Ullman são de tirar o fôlego!], Gritos e Sussurros tem cenas fortes e memoráveis, e um desfecho de girar sua cabeça em 360º. Porém um aviso: apesar de o Cinema ser para todos, não perca seu tempo com Bergman se você não gosta de densidade.
Nota: ****

[silêncio]

Anthony Minghella

[1954-2008]

Morreu hoje, vítima de hemorragia cerebral, aos 54 anos, o diretor britânico Anthony Minghella, auteur do épico O Paciente Inglês.

Minghella é percursor do Cinema Indie, com seu filme de estréia, Um Romance de Outro Mundo e "Paciente", inclusive, é considerado o paradigma do filme indie, um filme épico que custou apenas cerca de 27 milhões de dólares, depois que a Twentieth Century Fox saiu do projeto quando os produtores Minghella e Saul Zaentz recusaram a contratação de Demi Moore para o papel que foi de Kristin Scott Thomas. O resultado foi que "Paciete" foi indicado a 12 Oscars, inclusive melhor atriz, e saiu de lá com 9, incluindo melhor roteiro adaptado, atriz coadjuvante [Juliette Binoche], direção e filme.

Quanto a mim, de Minghella eu apenas vi O Talentoso Ripley e Cold Mountain, e recentemente Conduta de Risco, que foi produzido por ele. Eu adoro os três, portanto, Minghella é para mim também uma grande perda.

FicaDica: O Que Sócrates Diria A Woody Allen

FicaDica: livros, filmes, sites, programas de tv a qualquer momento para incentivar o cinéfilo em você.

Como todo bom cinéfilo em [constante] formação, Lucas procura ler sobre cinema. E pegando a deixa da crítica abaixo sobre uma sociedade que não lê, resolvi deixar a dica do atual livro que estou lendo. Blogs são ótimo minha gente, porém é nos livros que se pode encontrar a mesma variedade da Internet, só que de maneira mais aprofundada, portanto, mais importante/interessante.

Escrito pelo espanhol Juan Antonio Rivera, o livro “pretende ser ao mesmo tempo uma introdução à filosofia para os amantes de cinema e uma introdução de cinema para os amantes da filosofia," utilizando uma lista de 26 filmes para tratar de questões morais, psicológicas e filosóficas. Dentre as obras há Hannah E Suas Irmãs de, é claro, Woody Allen, Cidadão Kane, de Orson Welles, e mais recentes como Matrix, dos irmãos Wachowski e O Show de Truman, de Peter Weir.

O prazeroso do livro está na linguagem simples, porém rebuscada, de Rivera que a partir das tramas dos filmes destila conceitos filosóficos básicos de vontade, desejo, ética etc, ligando-os com a vida cotidiana da maneira que deve ser feita: sem julgar ou criar milagrosas receitas para a felicidade. Ao utilizar o cinema para isso, o autor mostra que o melhor tipo de auto-ajuda [digo no sentido literal do termo e não necessariamente no estilo "literário"] é a filosofia.

[Soundtrack: So-Called Chaos - Alanis Morissette]

Inquisição

Fahrenheit 451 [***1/2]

Direção: François Truffaut

Com: Oskar Werner, Julie Christie

A humanidade se movimenta aparentemente sem propósito e vazia, com movimentos e olhares vagos, tomando estimulantes para seguirem pelo dia e fazer o que devem, e calmantes para dormirem. Em casa, quando não estão a fazer necessidades básicas [comer, dormir etc], estão vendo televisão, uma televisão um tanto interativa: você participa do programa a qual assiste. Parece 2008, certo? E poderia bem ser na semi-profética ficção-científica, dirigida por François Truffaut, Fahrenheit 451 [Fahrenheit 451, 1966, França/Reino Unido].
Em seu primeiro e único filme falado em inglês, o legendário diretor Truffaut e o roteirista Jean-Louis Richard adaptaram o romance do escritor americano Ray Bradbury, sobre uma sociedade na qual os livros são proibidos e as pessoas movimentam-se voluntariamente subjugadas a um governo repressor, que alimenta a alienação da população. Nesse futuro, os bombeiros, ao invés de apagarem os incêndios, são requisitados para queimarem os livros estocados clandestinamente [como num retorno à Inquisição medieval]. Um deles é Guy Montag, casado com a fútil Linda, que começa a questionar seu trabalho e vida quando conhece Clarisse, uma vivaz membra da resistência.
A maior beleza do filme de Truffaut reside em sua profunda qualidade; pode-se listar uma centena de pontos interessantes tanto da produção, quanto da trama por si só. Vou falar de três aspectos positivos que me embasbacaram e um negativo que, por outro lado, não sei bem se devo tê-lo como tal.
Primeiramente, é maravilhoso assistir a Julie Christie fazendo as duas mulheres na vida de Montag. Como não se podia esperar menos, ela representa as duas magistralmente, porém o mais intrigante das performances de Christie é que há uma linha muito tênue entre Linda e Clarisse. Ambas são lindas e sensuais, em suas próprias formas e falam pelos cotovelos; contudo a voz de Clarisse possui o ritmo acelerado, representando seu cérebro imaginativo alimentado por sua atividade ilegal [evidenciado pelo "rebelde" corte de cabelo masculino]. Já Linda também fala bastante e um tanto rápido, contudo, em seu olhar há um vazio que podem ser considerados a quintessência da máxima "os olhos são o espelho da alma." Essa diferença pode parecer bem óbvia, mas ela é feita por Christie com uma habilidade que simplesmente não deixa que você se confunda quem é quem por momento algum.
Outro aspecto delicioso do filme é Oskar Werner como Montag. Um protagonista como Montag não é muito difícil de se gostar, já que a trama o indulgencia pelo crime que ele comete. Porém, o filme de Truffaut nunca escolhe caminhos óbvios e em determinados momentos, os discussos detratores da leitura são tão convincentes que a dúvida alfineta o espectador. É aí que Werner brilha, pois seu Montag guarda nos olhos e semblante a seriedade com a qual ele leva as jornadas que se propõe na vida: ele faz seu trabalho sem questionar e quando começa a fazê-lo não pode negar sua posição. De uma certa forma, a integridade de Montag o torna um homem admirável e sensual, em outras palavras, um herói.
Por fim, o filme de Truffaut não especifica de que época fala, tornando-o um filme eterno e, considerando a vida que temos hoje, ele é, como disse no primeiro parágrafo, praticamente profético. O livro de Bradbury foi lançado em 1954, escrito num contexto em que a Cultura Pop começava a tomar lugar da acadêmica/erudita e, de certa forma, as coisas eram apresentadas às pessoas "editadas/resumidas/mastigadas". A televisão ganhara cores no início da década e já era a mais popular fonte de cultura da sociedade americana. No filme, ela é o principal meio pelo qual o governo controla a população que, proibida de e desestimulada a ler e incitar a imaginação e o cérebro, age roboticamente. Então, a atemporalidade do filme [e provavelmente também do livro] acontece de forma que nos vemos nesse futuro, afinal vivemos na época em que a mídia [especialmente a televisiva] nos dita como viver, enquanto não nos interessamos em verdadeiras atividades intelectualmente estimulantes, por preguiça ou simples despeito de achar que saber superficialmente de tudo é o suficiente.
Já o tal ponto negativo do filme é que, o filme deixa claro que não só os livros, mas como toda leitura, são proibidos há anos. As pessoas tiram as informações necessárias sobre outras pessoas, remédios etc através de imagens e cores. Portanto, fica confuso como as personagens que se rebelam contra o sistema, principalmente Guy Montag - nascido, crescido e servidor do sistema, - sabe ler. Seria um buraco no roteiro de Richard? Ou esse buraco seria intencional? Ao questionar um amigo sobre isso, ele simplesmente disse: "daí você deve perguntar a Ray..."
Ou seja, temos que voltar ao livro.
[Soundtrack: Intuition - Jewel]

It's Too Darn Hot...

Quanto Mais Quente Melhor [****]

Direção: Billy Wilder

Com: Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft, Joe E. Brown

Quando me dizem que filmes clássicos são enfadonhos e "velhos" eu, devo confessar com um certo amargor: tenho vontade de esbofetear a criatura; sei que é falta de compostura, mas supeficialidade e preguiça em altos níveis me irritam profundamente, especialmente quando se pensa em Quanto Mais Quente Melhor [Some Like It Hot, 1959, EUA], como um clássico.

A deliciosamente amarga comédia escrita por Billy Wilder e I.A.L. Diamond e dirigida por Wilder foi e é ultrajante e corajosa ao contar as confusões em que se metem dois músicos quando decidem se travestir para escaparem de mafiosos. Essa premissa pode parecer muitíssimo comum hoje em dia, praticamente um clichê, mas lançar um filme como esse em 1959 requereu muito nervo da United Artists e todos envolvidos no filme.

Lemmon e Curtis são Jerry e Joe, respectivamente, dois músicos quebrados que precisam fugir da Chicago de 1929 após presenciarem uma chacina realizada pelo gangster Spats Colombo [Raft]. Para tal eles se infiltram numa banda feminina, mas agora como Daphne e Josephine; se dois caras entre tantas mulheres, de não tão memoráveis reputações [e aí está um dos mais saborosos aspectos do roteiro: ninguém é moralmente indiscutível nele], já é motivo para problemas, a confusão se instala e espalha quando entra a bordo a desinibida Sugar Kane, incorporada por uma Marilyn Monroe de tirar o fôlego [a cena da festa no trem é, além de hilária, memorável].

Monroe estava grávida durante as filmagens, portanto parece bem maior que sua corpulência usual; contudo, ela parece estar ainda mais sensual, roubando a maior parte das cenas em que está com seu olhar de loira-burra-que-sabe-muito-bem-o-que-quer-e-como-conseguir. Seu figurino no filme é de cair o queixo.

Lemmon é a outra grande estrela do filme. Como Daphne, ele é simplesmente hilário! O mais engraçado da personagem é que ele começa o filme como o mais sensato da dupla, mas como nada é o que parece no filme de Wilder, Joe parece ter sido feito para ser Daphne. As cenas de Lemmon com Joe E. Brown [que representa um velho milionário que se apaixona por Daphne] não são apenas engraçadas, como dignas de referências para o resto da história do Cinema.

Aliás, todo o filme de Wilder merece tal posto; tanto que é imitado até hoje em Hollywood. Na época, a Liga Católica de Decência americana classificou o filme como "C" [de condenado]; a Academia premiou seu figurino [Orry-Kelly - um dos responsáveis pelo perfeito figurino de Sinfonia em Paris], nomeou sua direção de arte e fotografia, e seus roteiro, ator [Lemmon] e diretor. Hoje é considerado o filme mais engraçado da história e 22º melhor filme de todos os tempos pelo American Film Institute.

[Soundtrack: It's Too Darn Hot - Stacey Kent]

O Sol É Para Todos

O Sol é Para Todos [****]

Direção: Robert Mulligan

Elenco: Greogry Peck, Mary Badham, Phillip Alford, John Megna, Robert Duvall

A adaptação para Cinema, feita por Robert Mulligan [direção] e Horton Foote [roteiro], do livro ganhador do Prêmio Pulitzer de Harper Lee, O Sol É Para Todos [To Kill A Mockingbird, 1962], é daqueles clássicos que vão além da importância estética para a arte e se instalam como verdadeiros ensaios sociais. Honestamente, eu não vi até agora um filme sobre preconceito [especialmente o racial] tão tocante e maravilhoso como este.

Narrado pela adorável Scout [Badham], quando já adulta, o filme retrata o cotidiano da garota com o irmão Jem [Alford] e o amigo Dill [Megna], numa pequena cidade sulista dos Estados Unidos, e a relação dos irmãos com o pai advogado Atticus Finch. Num verão qualquer, Atticus passa a defender no tribunal, um negro acusado injustamente de estuprar uma branca; isso traz para ele e sua família alguns problemas, afinal o filme retrata uma época em que um negro demonstrar pena de uma mulher branca era extremamente ultrajante.

Gregory Peck é Atticus Finch e disso não se tem um pingo de dúvida. Pelo filme ser contado na perspectiva das crianças, especialmente Scout, a imagem que se tem de Finch é de um pai e homem exemplar, tanto que ele persiste em continuar no caso mesmo com a pressão contrária da cidade. O Atticus de Peck, que ganhou o Oscar pelo filme, é amável e digno, possuidor de uma serenidade que cativa o espectador, assim como aos filhos, vizinhos e a população da cidade. No discurso final do advogado no julgamento, Peck brilha com olhares, voz e gestos comedidos, porém pungentes e marcantes. Anteriormente, ele demonstra com sutileza e emoção a honradez de Atticus, numa cena em que ele resiste em atirar num cachorro com raiva.

O produtor Alan J. Pakula foi renomado por seus filmes sociais e psicologicamente profundos; responsável por jóias como Klute - O Passado Condena e A Escolha de Sofia, ele também foi indicado ao Oscar de 1963 pela produção de "O Sol É Para Todos", porém, a Academia carrega o fardo de nunca ter o premiado [ele morreu em novembro de 1998]. Já o roteiro de Foote é bem costurado e sóbrio: divertindo, especialmente quando fala das crianças e suas peripécias; e emocionante, a cena do julgamento e o final do filme são de tirar o fôlego, especialmente com a participação de Robert Duvall em seu primeiro filme.

No fim das contas, "O Sol É Para Todos" é um filme que ressalva a importância de todos os seres humanos por suas posturas e atitudes diante as diferentes situações da vida. Após o julgamento, uma vizinha diz para o cabisbaixo Jem uma fala que resume muito bem o teor do filme:

"Não sei se ajudo ao dizer isso... alguns homens nesse mundo nasceram para fazer nossos trabalhos desagradáveis... seu pai é um deles."

[Soundtrack: All Is Full Of Love - Björk]

Seguro e Tenro

Delicada Atração [***]

Direção: Hettie Macdonald

Com: Linda Henry, Glen Berry, Scott Neal, Tameka Empson, Ben Daniels, Gary Cooper, Daniel Bowers

Numa cena de Delicada Atração [Beautiful Thing, 1996] dois garotos dançam no pátio do conjunto onde moram, ao som da gravação de Cass Elliot da canção Dream A Little Dream Of Me. Alguns moradores assistem à cena com ar de choque e outros apenas se divertem, enquanto um outro par [agora feminino] adiciona-se à cena. Os olhares divididos da multidão que se forma ao redor deles contrastam com os de segurança e ternura dos dois pares, e são estas as características que dão o tom geral da dramédia romântica de estréia da diretora britânica Hettie Macdonald.

Em Thamesmead, subúrbio de Londres, o adolescente Jamie [Berry] mora com sua mãe, Sandra [Henry], e tenta lidar com os maus-tratos dos colegas de escola, dentre eles seu vizinho Ste [Neal]; já Sandra vive às favas com a vizinha Leah [Empson] (uma garota-problema, recém-expulsa de mais uma escola, que abusa do alcool e drogas e é aficionada por Cass Elliot). Certa noite ao voltar do trabalho, Sandra encontra Ste chorando no pátio e, após certificar o motivo, o acolhe em seu apartamento [que é do lado do do garoto]. Tendo que dividir a cama com Jamie, Ste acaba se abrindo sentimentalmente e, além da amizade, os dois se envolvem num romance.

Ste sofre com os abusos físicos do pai [Cooper] e do irmão traficante [Bowers], contudo, apesar das marcas do abuso fazerem parte de algumas cenas cruciais do filme, o espectador não é bombardeado com retratações gráficas dele. É aí que a direção de Hettie se revela consciente de seus propósitos e até onde deve ir. Enquanto Jamie começa a aceitar sua sexualidade, Ste ainda demonstra uma insegurança que em momento algum você questiona ou duvida, pois o filme nunca exaspera suas personagens, nem exige delas posições além das que se espera.

Isso se desenvolve melhor ainda com as ótimas performances dos dois protagonistas, em especial Scott Neal, que estampa nos olhares a confusão interna, mas o desejo de mudança, de Ste. Linda Henry é simplesmente brilhante, apresentando camadas a Sandra que a simplicidade do filme não exige, mas também não repudia; na cena em que Sandra descobre a homossexualidade do filho, Henry transborda uma emoção que eleva sua personagem a um superior patamar de identificação. E por fim a catalisadora de toda a comédia, Tameka Empson, faz de Leah uma personagem adorável, apesar dos péssimos modos dela.

Por fim, o roteiro de Jonathan Harvey [baseado em sua própria peça homônima] apresenta alguns buracos que parecem estar ali para aumentar o tempo do filme, mas, o tom leve, as ótimas performances, a trilha sonora que evoca de uma maneira sutil o universo gay, já que se trata de adolescentes comuns se descobrindo, são suficientes para tornar Delicada Atração num bom filme. Mas o fato especial de raramente cair em clichês do gênero faz com que ele seja altamente recomendável.

[Soundtrack: Evolution - Cat Power]

Festivais Caseiros

Quando não se tem o que fazer, procura-se o que fazer. Ao fim da temporada do Oscar decidi fazer um pseudo mini-festival para ocupar meus dias e mente. Dois temas foram selecionados e uma lista [não muito extensa] de filmes foram baixados [já que não são tão fáceis de serem encontrados].
A primeira lista provém da curiosidade sobre os exploitation films após o lançamento de Grindhouse ano passado. Focalizando na sub-categoria Shock Exploitation, estão sendo baixados filmes de conteúdo [supostamente] chocante, geralmente considerados tabus no Cinema, como violência gráfica, representações bem realistas de estupros e incestos; e também alguns de Sexploitation, filmes de baixo orçamento com nudez gratuita, os chamados Pornô Soft. Os selecionados por enquanto são:
I Spit On Your Grave [1978]
I Am Curious (Yellow) [1967]
Jack Ketchum's The Girl Next Door [2007]
<--- The Last House On The Left [1972]
Thriller: They Call Her One Eye [1974]
Contudo, o festival em andamento é o de filmes com temática gay.
Não, [a princípio] nada de pornôs soft; pesquisando, procurei por filmes que tivessem ao menos uma trama interessante. Mas devo confessar que comecei esse pela simples vontade de fazer a bitch e ter do que falar mal. Reavaliando meus propósitos, procurei, então, por filmes que, além da boa trama, tivessem respaudo crítico.
Alguns deles já foram assistidos, enquanto outros ainda estão sendo baixados. A lista desse é um tanto maior que a do outro devido à facilidade de encontrá-los.
À Cause D'un Garçon [2002]
C.R.A.Z.Y. - Loucos de Amor [2005]
Crutch [2004]
Delicada Atração [1996] -->
Delicada Relação [2002]
Edge Of Seventeen [1998]
Garotos De Programa [1991]
Innocent [2005]
Juste Une Question D'amour [2000]
Lonely Child [2005]
Love Is The Devil: Study For a Portrait of Francis Bacon [1998]
Ma Vraie Vie À Rouen [2002]
My Beautiful Laundrette [1985]
Saindo do Armário [1998]
Soldier's Girl [2003]
Sommersturm [2004]
[Soundtrack: 15 Step - Radiohead]

Sensacionaaaal!!

Planeta Terror (2007) [***1/2]
Dirigido por: Robert Rodriguez
Com: Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Josh Brolin, Marley Shelton, Jeff Fahey, Michael Biehn, Bruce Willis, Naveen Andrews, Stacy Ferguson

Ano passado a empreitada cinematográfica de Quentin Tarantino e Robert Rodriguez me deixou de cabelos em pé! Quando soube de suas intenções em homenagear o cinema Grindhouse, coqueluche nas décadas de 1960 e 1970, acabei pegando a febre e pesquisando sobre o gênero e exemplares filmográficos.
Então vamos por partes: que diabos é Grindhouse?
Como eram chamadas as casas, geralmente drive-ins, em que se exibia exploitation films: filmes sensacionalistas com suas temáticas predominantemente sexuais, bizarras e violentas. Em outras palavras, o chamado gênero B era o mais exibido nas salas Grindhouse, que faziam sessões duplas [aham, pague um veja dois] de seus filmes estética e intelectualmente estimulantes.
E é aí que mora o segredo dos exploitations e suas subcategorias: não se pode vê-los procurando bons filmes; um filme B é bom em sua ruindade e o quanto ele eleva o nível do, agora em voga, trash, sendo assim, filmes ruins que sabem de sua condição e se aproveitam disso.
É exatamente o caso de Planeta Terror, primeiro seguimento do projeto Grindhouse da já citada dupla dinâmica. Dirigido por Rodriguez e estrelado pela deliciosa Rose McGowan e sua prótese, "Planeta" é lotado de um humor tão descarado que é praticamente impossível conter as risadas durante o filme, mesmo que essa seja sua primeira experiência grindhouse.
Quando um maníaco [Willis] do exército americano decide, por vingança pessoal, transformar a humanidade em zumbis a partir de uma cidade "insignificante" do Texas, um grupo de habitantes inexplicavelmente imunes ao gás "zumbizador" inicia a empreitada de contenção e aniquilação dos seres purulentos.
É com eles que Rodriguez homenageia os vários sub-gêneros exploitation; dentre os imunes há lesados policiais latinos, babás gêmeas e taradas, o xerife metido [Biehn], o galã proficiente em artes-marciais e armas [Freddy Rodríguez], sua namorada go-go dancer chamada Cherry Darling [McGowan] e até uma mãe lésbica [Shelton] lutando para salvar o filho do pai psicótico [Brolin] e da eminente tragédia.
Cherry é a garota presa entre o estereótipo que sua beleza carrega e a vontade de ser mais do que aparenta: a típica gostosa que quer mostrar seu lado mais profundo. O melhor da personagem é que ela nunca demonstra saber como agir para escapar do estigma até que se entrega à sua condição; o mais divertido do roteiro de Rodriguez é que ele faz esse abatimento de Cherry parecer mera "preguiça" do filme em desenvolver a personagem, afinal há tantos outros para se reparar. E McGowan está no auge de seu jogo, ciente de que Darling não deve ser levada a sério, mas representando-a com uma falsa seriedade hilariante, especialmente após ela perder a perna.
Uma outra estrela do filme é a Dr. Dakota Block - a mãe lésbica. Ela é a personagem que você imaginaria num filme "sério/de verdade": um drama ou, talvez até, um suspense. Shelton, com seus enormes e vibrantes olhos azuis, dão a Dakota um desolamento e desespero que faz com que você realmente torça por ela.
Porém, além do arsenal de canos e balas, a trupe é munida por diálogos tão medonhos que em momento algum você acredita que eles foram escritos para serem refletidos e filosofados. No prelúdio da clássica cena de sexo presente em qualquer filme de segunda categoria que se prese, Cherry Darling, a go-go dancer solta o seguinte bife*:

"Look, you were being an unbelievable dick. I was walking out on you. I was cold, I took your fucking jacket. So, if you're go on one of your psycho, obsessive, controlling rants about a fucking jacket, then fucking take it 'cause I'd rather fucking freeze than fucking hear about it one more time!"

Se isolada, essa cena em si daria uma prova dos exploitation films e sua linguagem de péssimo gosto. Um inadvertido [se não estúpido] espectador pode levar a sério o festival de erros e irracionalidades do filme e julgá-lo podre, mas todos esses aspectos fazem parte da experiência criada por Tarantino e Rodriguez. Que ser humano provido de todas as suas faculdades mentais quereria levar a sério os tais diálogos e atitudes non-sense das personagens de Rodriguez?
É nesse quesito que o tiro de, não só "Planeta", como todo o projeto Grindhouse, parece ter saído pela culatra da prótese. Ao reviver o Grindhouse, a dupla fez um fenomenal trabalho cultural, porém, o grindhouse é um gênero tão zumbi quanto os monstros fabricados pelo tal gás, e abordá-lo com a lente cult e inteligente agrada a cinéfilos e críticos, mas os consumidores dos exploitations atuais [Jogos Mortais e afins] estão muito pouco interessados em "cult".
Os americanos, ano passado, pareceram não entender a piada/homenagem e não deram o apoio [leia-se bilheteria] que o filme merecia. Isso fez a distribuidora separar "Planeta Terror" de seu irmão À Prova de Morte [dirigido por Tarantino], distribuindo-os separadamente no resto do mundo. Aqui no Brasil "Planeta" não deve ter sido exibido nem na metade das capitais, mas já se encontra em DVD, "À Prova de Morte" estréia nos cinemas brasileiros dia 21 deste mês.

*bife: fala muito longa de um só personagem.
[Soundtrack: Everything In Its Right Place - Radiohead]

Postagem Sem Pelo Título

A parte engraçada da criação desse blog é que ele é completamente desnecessário.
Mantendo o Life's A Bitch e o Cigarettes And Dance Floors bem vivinhos da Silva, mais um espaço para escrita daquilo que é basicamente o que me inspira é ostensivo e excessivo. Porém, o "Droga de Celulóide" já chega tirando a onda de que no quesito cinema, os seus blogs-pais serão adjuntos; mas claro que, com todo respeito, o Bitch e o Wino falarão de cinema se quiserem.
E na busca de um nome para o novo filho, pensei desde o usual "bitch" ao clichê "cinema bla-bla-bla". Meeeeeeeeeeeeh!! Foi aí que me lembrei de um divertido site que costumava ler mas nessa vida quickfuck acabei esquecendo. Com um nome que invejo por não ser o primeiro pensador e uma linguagem tão irreverente e bitchy que poderia ser de alguém como... uh, digamos eu!, vos apresento o grande inspirador [ok imitado] do "Droga de Celulóide":

E como procuro ser discípulo dos melhores imitadores da Cultura Pop mantenho e reinvento minha própria linguagem nesse blog, que apesar de ter um nome muitíssimo positivo, falará de filmes ruins e bons, mantendo assim a premissa de seu padrinho não-declarado.
Acho que por enquanto that's all folks!
PS: Pra quem ainda não sabe o que é celulóide.
[Soundtrack: 8 Easy Steps - Alanis Morissette]

Quem Quer Réalité?

Dia desses tive um discussão saudável com uma amiga via scraps no orkut: Cinema vs. Realidade.

Chegou-se ao tema enquanto discutiamos sobre o vencedor do Oscar de melhor roteiro original desse ano, o famigerado Juno. Vale dizer que no Brasil a controvérsia cinemática de Juno dá-se mais pelo hype com o qual ele chegou por aqui. Os gringos em geral se apaixonaram de cara pelo jeito vibrante e esquisito que a heroína do script de Diablo Cody e com a ajuda da grande mídia formou-se o hype. Juno, porém, é um filme que apesar de ótimo tem sérios problemas de realidade.

Minha amiga que, apesar de ainda não ter visto o longa, tem lido várias críticas, diz que ele está fora da realidade por Juno escolher a adoção ao invés do aborto. Todos sabemos que na sociedade americana esta é uma escolha mais comum do que se imagina e prega. Eu concordo com ela, inclusive eu e Jose mencionamos isso em nossa blogação de Oscar, dentre outras irrealidades.

Mas no fim das contas, quando se pensa em Juno como cinema, quem se importa com realidade? Estranhamente no mesmo dia da troca de scraps com a amiga, eu discutia com meu pai o quão incrível foi a invenção do Cinema. Pulando considerações enrolo-filosóficas chegamos à conclusão de que "o Cinema é a realização do sonho." De repente a encenação mental das idéias ganham vida e estão ali tri-dimensionalmente realizadas.

A invenção se infiltrou tão forte e sorrateiramente na humanidade que hoje dizemos que "o sonho foi tão claro quanto um filme." E mesmo com os gostos e preferências distintos é difícil encontrar alguém, especialmente das gerações mais recentes, que não goste de Cinema. Ele atende à vontade mais imediata [e seus detratores podem dizer "fraca"] de catarse; na sociedade banda-larga ver um filme é mais fácil que ler um livro. Mas e daí? A arte, mesmo podendo e devendo tocar as pessoas num nível mais profundo e instigante, pode simplesmente tirá-las "do cotidiano hardfuck."

Então, Juno pode ir de encontro com as evidências sobre gravidez na adolescência na sociedade americana, mas quando se pensa em todos os outros deliciosos atributos do filme, eu me pergunto: qu'il veut la réalité?

[Soundtrack: Aconteceu - Marisa Monte]